‘Sgt. Pepper’ fue solo el comienzo de la Revolución del 67

“Sgt. Pepper” fue solo el comienzo. Medio siglo después el emblemático álbum psicodélico de los Beatles se mantiene como una de las múltiples maravillas musicales de 1967 que definieron lo que hoy escuchamos.

Fue un año de innovación técnica, lírica y rítmica, de la más alta maestría y de la más inspirada ruptura. El álbum de rock se convirtió en una forma de arte y los éxitos de dos minutos de Motown y Stax comenzaron a dar paso al funk de James Brown y Sly and the Family Stone así como a la sinceridad de Aretha Franklin y “Respect”. Fue el comienzo de los festivales de rock, en Monterey, y de la banda sonora pop, con la música de Simon & Garfunkel para “El graduado”.

Fue el año en el que Bob Dylan y los músicos que lo acompañaban y se autodefinían como ‘the Band’ se reunieron discretamente en una casa rosada afuera de Woodstock, Nueva York, para grabar decenas de canciones viejas y nuevas que dieron inicio a la música ‘roots’ y crearon los cimientos para uno de los tesoros más famosos del rock: “The Basement Tapes”.

“Estábamos en nuestro propio pequeño mundo, arriba en las montañas, un poco aislados de todo lo que estaba pasando”, dijo Robbie Robertson, de the Band. “Pero en retrospectiva, uno podía ver que las estrellas estaban alineadas y que había una magia que la gente ha tratado de diseccionar desde entonces”.

También hubo finales en 1967, como las muertes de Otis Redding y Woody Guthrie, pero en su mayoría fueron comienzos. Pocos años tienen tantos debuts notables de artistas que influyeron el punk, el heavy metal, el glam rock, el rock progresivo, el new wave y otros géneros como The Velvet Underground, Jimi Hendrix Experience, The Doors, y los primeros álbumes de Leonard Cohen, Janis Joplin (con Big Brother and the Holding Company), Grateful Dead, David Bowie, Pink Floyd y Sly and the Family Stone, que muy a modo titularon su álbum “A Whole New Thing”.

En 1967, un estudiante de 21 años que abandonó la universidad de Berkeley, Jann Wenner, pidió prestados 7.500 dólares y creó en un apartamento de San Francisco el primer número de la revista Rolling Stone, la cual ayudó a proyectar seriamente la música que hasta entonces era despreciada por los diarios y las revistas tradicionales. Durante una entrevista reciente Wenner dijo que 1967 fue el momento ideal para lanzar una publicación de ese tipo: el rock no sólo estaba madurando, sino que comenzaba a interconectarse. El festival de Monterey en junio de ese año ayudó a presentar a The Who y Hendrix al público y los músicos estadounidenses, al tiempo que unió a grupos de Los Angeles (The Byrds, The Mamas and the Papas) y San Francisco (Grateful Dead, Jefferson Airplane).

“Hubo mucha energía y reconocimiento de los colegas artistas que venían de todo el mundo y trataban de hacer lo mismo”, dijo Wenner.

“Todos esos artistas nuevos y altamente visuales en Monterey ampliaron bastante la idea de lo que se puede hacer en el scenario”, dijo el crítico musical Robert Hilburn. “Después de esos eventos todo parecía posible, la fuerza del rock ‘n’ roll se había desatado en toda su gloria y poder creative”.

La escena musical floreció por Estados Unidos e Inglaterra, donde los Beatles, los Rolling Stones, The Who, Cream y otros grupos estaban creando su mejor música mientras un joven Reg Dwight se cambió el nombre a Elton John y comenzó a componer canciones con Bernie Taupin.

Además de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, los Beatles lanzaron los éxitos “Strawberry Fields” y “Penny Lane” así como su himno al verano del amor, “All You Need is Love”. Los Stones lanzaron su aclamado álbum “Between the Buttons” y el sencillo doble con “Ruby Tuesday” y “Let’s Spend the Night Together”. El álbum ‘The Who Sell Out’ de The Who entremezcló inteligentemente comerciales de radio con éxitos como “I Can See for Miles”. El disco “Disraeli Gears” de Cream, que suele incluirse en las listas de los mejores del rock, incluye su clásico “Sunshine of Your Love”, una de las piezas más emblemáticas del rock.

“La época del álbum clásico se inicia por esta época y canoniza la música de una manera muy diferente que cuando escuchas un sencillo”, dijo Ann Powers, crítica de música de NPR y autora de “Good Booty: Love and Sex, Black and White, Body and Soul in American Music”, que será publicado en agosto. “Esa es una razón poderosa por la que la música sigue teniendo tal resonancia, porque el álbum es como el escenario de una novela para la música, es la forma que compartimos con nuestros hijos, y la forma que enseñamos, la forma que preservamos”.

En el distrito Haight-Asbury de San Francisco estaba el movimiento Flower Power y su himno no oficial era “San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)” de Scott McKenzie. Fue el año en el que Joplin, the Dead y otros artistas locales se hicieron famosos por todo Estados Unidos y Jefferson Airplane lanzó las canciones “Somebody to Love” y “White Rabbit”.

En Memphis, Stax estaba en la cumbre con una gira triunfal por Europa con Redding y Booker T. & the M.G.’s. Stax nunca volvió a tener tal éxito; Redding murió en un accidente de avión ese diciembre.

En Grand Rapids, Michigan, los fundadores de Hot Line Music Journal ayudaron a su amigo de la secundaria Al Greene y lanzaron el álbum “Back Up Train”; Greene dejó poco tiempo después la última ‘e’ de su apellido. En los King Studios de Cincinnati, James Brown se reunió con sus músicos y grabó “Cold Sweat”, considerada una de las primeras grabaciones del funk, que han sampleado Public Enemy, DJ Shadow y otros artistas del rap y el hip hop.

“Nos gusta celebrar las obras debut, pero la mejor obra suele llegar cuando los artistas maduros tienen que enfrentar retos fuera de la música. James Brown había hecho música por un tiempo para 1967, pero al ser parte de la cultura afroestadounidense veía el ascenso del Black Power y el afrocentrismo y sabía que necesitaba probar cosas diferentes”, dijo Powers.

“Esto lleva a una nueva fase, a una nueva libertad, y todavía se puede ver ese impacto. El Black Power se volvió extremadamente influyente para los artistas de hip hop. Si escuchas a Kendrick Lamar te puedes imaginar a Kendrick Lamar como parte de 1967. Tiene un sonido diferente, pero el sentimiento y el discurso político no están muy lejos”.

En Nueva York, Bert Berns contrató a un joven de 21 años llamado Van Morrison para Bang Records y produjo la clásica “Brown Eyed Girl”. El productor de Franklin, Jerry Wexler y algunos músicos de sesión completaron el álbum revelación de Franklin, “I Never Loved a Man the Way I Love You”. Poco después Franklin grabó una de las últimas colaboraciones de Gerry Goffin y Carole King y una de sus canciones más famosas: “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”.

El arte refinado, la conciencia social y los conciertos psicodélicos estaban de moda en el 67, pero también hubo espacio para sencillos pop aptos para la radio, como “Happy Together” de Turtles y “Higher and Higher” de Jackie Wilson o “Groovin’” de Rascals. La canción de The Box Tops “The Letter” vendió un millón de copias y fue un escaparate para el cantante de 16 años Alex Chilton, quien se volvió una fuerza influyente del ‘rock alternativo’ en las décadas siguientes.

¿Quiénes eran los artistas más populares del momento? Un cuarteto que lanzó cuatro discos que alcanzaron el primer lugar de ventas y se mantuvo en la cima de las listas de popularidad por más de seis meses, a pesar de las críticas de que no se trataba de una banda real.

“Fue un tiempo muy feliz para nosotros”, dijo Michael Nesmith de los Monkees.

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